El Diseño y la psicología

Muchos piensan que diseñar es fácil y que solo es cuestión de agregar una buena foto y texto con que comunicar, pues la realidad es otra, ya que, los diseñadores tenemos el arduo trabajo de cuidar el diseño y a su vez comunicar, comprender la psicología en el diseño, tratar el comportamiento de las personas y trasmitir lo que se quiere lograr.

Es una habilidad que te permite comprender la mente del consumidor, analizar este método para saber los gustos del cliente y complementar en el diseño.

¿Qué es la psicología del diseño?

El nombre de psicología del diseño no tiene mucho misterio, puesto que viene a decir lo que es: la psicología aplicada al campo del diseño. Pero, ¿qué relación puede haber entre la psicología y el diseño de marcas y objetos? Realmente mucha, y de hecho se podría decir que la psicología del diseño ha estado enormemente implicada a la hora de tomar decisiones tan importantes como es la de escoger cuál va a ser la carta de presentación de una marca, esto es, su propio logo.

La psicología del diseño parte de una realidad que es indudable: todos los objetos con los que interactuamos, incluso por medio de lo visual, nos evocan unas sensaciones y percepciones. Los colores, las formas, la tipografía de la letra, el tamaño del objeto y la simetría son aspectos que influyen enormemente en cómo nos sentimos, algo que no es nada nuevo y que el mundo de las bellas artes lo tiene muy claro.

Existe una rama de la Psicología denominada “Psicología Cognitiva”, está compuesta por todo lo que nos incorpora conocimiento y nos da cuenta del entorno en el que vivimos. El concepto de memoria como construcción, esto significa que el hombre, que constantemente está adquiriendo saberes, no los deposita ni los guarda, al contrario de esto, a medida que adquiere los saberes se va construyendo más como persona.

Las emociones que se crean son las sensaciones estimuladas por la belleza o por el sentido de buena estética que nos da una sensación inconsciente de “conexión natural” y empatía.

Dentro de una investigación en relación a la psicología del diseño, la percepción visual es un proceso que extrae la información percibida por el ojo, mediante formas que opera el sistema visual, distinguiendo entre fondo, figuras, tamaños, colores, grupos etc. Viene también como una interfaz, que permite acoplar aquellos elementos que puedan definir la simetría, el equilibrio, el contraste de las imágenes.

Trasladando el poder de la belleza visual al mundo de lo comercial y el márketing, los comerciantes y las empresas encuentran en la psicología del diseño un potente aliado. Sabiendo cómo deben hacer un logo, diseñar un objeto o promocionar uno de sus servicios, en su publicidad pueden explotar la sentimentalidad de la audiencia para convencerle de que tienen una necesidad. Un buen diseño puede generar sentimientos, y esos sentimientos son los que consiguen que alguien tenga la necesidad de comprar algo que, objetivamente, no necesitaba.

Tomando toda esta información podemos entender un poco más sobre la comprensión del diseño y la investigación visual que podemos obtener a través de muchos factores, ya sea culturales y sociales para crear la comunicación visual. Si requieres asesoría profesional, recuerda que en IDAC del Valle contamos con una gama de diplomados, cursos y talleres especializados en el mundo del Diseño Gráfico. 

5 Documentales que no debes perderte si estudias o eres Diseñador Gráfico.

Cuando estás atrapado en bloqueo creativo y buscas inspiración, tu primera tentación puede ser ver alguna de tus redes sociales. Pero si tienes Netflix, es posible que esta plataforma pueda serte de ayuda. El servicio de transmisión de video está repleto de documentales inspiradores sobre todo tipo de temas creativos, ideal para ayudarte a resucitar tu imaginación y brindarte ideas e inspiración.

El único problema es que hay una cantidad tan grande de contenido en Netflix que las mejores cosas pueden perderse entre tantas opciones. Así que hemos hecho el trabajo por ti y hemos reunido una colección: Los 5 mejores documentales de Netflix para diseñadores gráficos y creativo. 

1.- Abstract: The Art of Design

Creado por el ex editor en jefe de Wired Scott Dadich, la serie documental Abstract: The Art of Design ofrece dos temporadas. La primera de ocho perfiles independientes de destacados diseñadores y creativos. Cada uno tiene alrededor de 40 minutos de duración, magníficamente filmado y muy bien editado.

2.- The Creative Brain

A todos nos gustaría ser más creativos y productivos en nuestro trabajo, pero a menudo nos cuesta hacerlo en la práctica. El cerebro creativo es un documental perspicaz de 52 minutos cuyo objetivo es ayudarnos a encontrar un camino a seguir.

 3.- Floyd Norman: Una vida animada

Ahora tiene 83 años, Floyd Norman es un animador, escritor y artista de cómics estadounidense que ha trabajado para casi todas las grandes marcas en el negocio, incluidos Disney, Pixar y Hanna-Barbera.

En 1956, se convirtió en el primer animador afroamericano de Disney. Luego, después de la muerte del fundador Walt Disney, se fue para comenzar su propia compañía, que produjo películas de la historia negra para escuelas secundarias.

4.- Minimalism: Un documental sobre las cosas importantes.

En este momento, el minimalismo es una gran tendencia en el diseño gráfico, desde interfaces de aplicaciones hasta logotipos. Pero, ¿de qué se trata realmente el minimalismo y cómo puede hacer que tus ideas creativas mejoren, en lugar de simplemente hacer que se vean como todas las demás?

https://www.youtube.com/watch?v=GGKODyhThRM

5.- Iris

La diseñadora de interiores e ícono de la moda Iris Apfel captó la atención de la escena del estilo de Nueva York hace décadas y nunca la dejó ir.

Recuerda que IDAC del Valle es un Instituto especializado en Arquitectura, Diseño e Interiorismo y nuestro compromiso siempre es la educación de nuestros alumnos y eso implica estar en mejora continua para ellos, actualizando las herramientas educativas y tecnológicas. Descubre más de nosotros en nuestras redes sociales y página web www.idacdelvalle.edu.mx

La evolución del lettering

En muchas ocasiones la creatividad en la que trabajamos necesita de una tipografía algo concreta, con un estilo determinado que refuerza el mensaje que queremos transmitir. Es posible que por mucho que busquemos no lleguemos a encontrar esta tipografía por ninguna parte. En casos como éste debemos recurrir al el Lettering para obtener el resultado que buscamos.

¿Qué es el Lettering?

El Lettering existe desde que el hombre comenzó a escribir, aunque recientemente haya ganado más popularidad entre los diseñadores gráficos y artistas. A esta técnica se le puede denominar también como Rotulación y podríamos definirla como “el arte de dibujar las letras“. El Lettering tuvo su máximo esplendor en los años 30-60 y fue muy visible con la estética Googie americana. Hoy en día es muy fácil que nos topemos con ejemplos de Lettering desde las marquesinas de los bares, las pizarras con el menú del día o en cualquier otra pieza promocional. Gracias a la creatividad y la publicidad el Lettering se ha convertido en toda una disciplina.

Cuando hacemos Lettering o rotulación, nos acercamos más al acto de dibujar que al de escribir. Construimos símbolos alfabéticos con una herramienta de dibujo, usando tantos trazos como sean necesarios para conseguir la forma exacta que buscamos. Podemos abocetar, borrar, corregir, añadir y volver a dibujar para conseguir esa letra perfecta.”

Mucha gente suele confundir la caligrafía, o incluso la tipografía, con el Lettering. Estos tres conceptos derivan igualmente de la escritura pero tras profundizar un poco en ello, podrás comprobar que no estamos hablando de lo mismo.

Tipos de Lettering

Brush Lettering

El Brush lettering es tipo de Lettering más parecido al caligráfico. Esta técnica consigue trazos bastante curvos y largos. Como su propio nombre indica se realiza con pinceles. Para realizar Brush Lettering podemos usar acuarelas, pinturas acrílicas o cualquier otro tipo de tinta.

En el Brush Lettering contamos con sólo dos tipos de trazos: Los trazos ascendentes y los trazos descendentes. Los trazos ascendentes se deben realizar sin apoyar apenas el pincel para conseguir un trazo muy fino. Los trazos descendentes se realizan de forma contraria, apoyando firmemente el pincel para crear un trazo más grueso.

Ejemplo de Brush Lettering

Chalk Lettering

El Chalk Lettering es el tipo de rotulación dibujado con tiza sobre pizarra. Un bloc de cartulina negra nos puede ayudar a practicar este tipo del Lettering, sustituyendo la tiza por pastel o un rotulador de tinta blanca o metálica.

Ejemplo de Chalk Lettering

Hand Lettering

El Hand Lettering suele agrupar todos los dibujos de Lettering que no estén englobados bajo los dos estilos anteriores. En esta técnica se pueden mezclar diferentes estilos y tipos de letra. Se usan mayúsculas rectas y robustas junto a letras con formas más curvas, incluso en ocasiones podemos encontrar tipografías que imitan este tipo de estilo.

Ejemplo de Hand Lettering

Lettering Digital

Como te expliqué al principio del artículo, el lettering es una técnica de dibujo que se centra en dibujar letras a mano. Ahora estamos en la era digital, y como otras técnicas de dibujo el lettering evolucionó a lo que conocemos cómo lettering digital.

Ejemplo de Lettering Digital

 

¡Ahora te toca a ti!

El mundo del diseño gráfico es un mundo que está experimentando un crecimiento sin precedentes, un mundo en el que si quieres estar en la cima tienes que seguir corriendo. Los gustos cambian, la tecnología avanza y, o cabalgamos sobre ella poniéndonos al día o avanzamos hacia el frente.

En IDAC de Valle queremos que te conviertas en todo un profesional del diseño gráfico, Somos un Instituto con más de 14 años de experiencia que se mantiene en constante evolución pensando en ti. Vamos de la mano con los cambios digitales para tu beneficio.

Tendencias de diseño gráfico que dominan el 2021

Es normal que cada año esté marcado por determinadas corrientes artísticas, o que algunas cobren más fuerza que otras. Ahora veremos cuales aparecen con fuerza en este 2021, ¡quizá ya estás usando alguna!

El diseño 3D

Si bien se utiliza desde hace mucho, con el correr de los años cada vez se ve más presente en todas las etapas y disciplinas del diseño. El avance de la tecnología y la facilidad de nuevas herramientas han llevado a que muchísimos diseñadores gráficos reacios a introducirse en el mundo del 3D, ahora le pierdan el miedo.

El lenguaje que más se está viendo, es el llamado «cute», suave, soft, simple y amigable. Tanto en personajes como en diseños tipográficos o más formales. 

Diseño 3D

La naturaleza inspirando al diseño

Las tendencias de diseño orgánico, más suave y natural han estado apareciendo lentamente al margen de las principales tendencias de diseño gráfico durante los últimos 10 años. La idea de imitar la naturaleza, las luces naturales, los colores y tonos más suaves y terrosos, los degradados naturales en los esquemas de color, las líneas fluidas, sin duda, han vuelto a ponerse de moda. Encaja con las tendencias del minimalismo, paletas de colores apagados, ilustraciones, hay filtros de color pensados ​​para crear ambientes naturales, texturas con madera, piedra, etc., los letreros llevan un tiempo ahí. Pero el gran impulso ha llegado de forma inesperada.

Un efecto secundario bien documentado de la actual situación pandémica es la sed de naturaleza. No es sorprendente que las personas a las que se les ha negado la posibilidad de estar al aire libre durante períodos prolongados, tengan la repentina necesidad de encontrar excusas para salir. Las personas que nunca han visto un campo, tienen la necesidad de hacer un picnic, los chicos que pasan cada fin de semana en una barra de bar, de la nada, sienten la necesidad de caminar descalzos por la playa. Si bien los diseñadores pueden querer establecer el escenario y promover las tendencias, muchos podrían hacer lo correcto al reflejar el estado de ánimo. “Si no puedes ir a la montaña, deja que la montaña venga a ti”. 

Diseño publicitario

Tipografía 3D

El diseño de tipografía estuvo a full en 2020, con diseñadores que utilizaron todo tipo de ideas y conceptos divertidos. Hubo un flujo mucho más artístico en la tipografía y no podemos ver que eso desaparezca pronto.

Ahora en 2021, es que los diseños de tipografía populares de 2020 se transformaron en 3D. Letras ultra realistas que se sienten como si pudieras alcanzarlas y tocarlas. Junto a este 3D hay elementos de animación, textura y patrón. De hecho, el diseño de tipografía se está convirtiendo rápidamente en un gran símbolo de innovación en el diseño gráfico, utilizando todas las técnicas más modernas y populares, y usándolas de formas asombrosas e imaginativas.

Diseño tipográfico 3D

Ilusiones ópticas dentro del diseño

Cuando la imagen que recibe el cerebro no funciona como tú la percibes o como debería, un efecto del ojo, ¿qué haces? Te alejas de inmediato y lo olvidas o… Pasas algún tiempo mirándola tratando de resolver lo que ves. 

Cuanto más mires, más necesitas mirar. Cuanto más intentes resolverlo, más tiempo necesitarás para hacerlo. Es inteligente, es adictivo, es una forma mágica de atraer a los espectadores. 

Diseño óptico

Ilustraciones en el diseño.

Las ilustraciones personalizadas han logrado hacer que los diseños se destaquen progresivamente a lo largo de los últimos años, y la tendencia parece crecer. Desde elementos gráficos, hasta tipografías, todo parece ir hacia un lenguaje gestual que contraste con la dureza gráfica de otros años.

Diseño publicitario

Formas geométricas en el diseño

Esta tendencia de diseño es algo que viene desde hace tiempo. Pero parece que alcanzará su punto máximo en 2021. La idea de usar formas individuales para crear formas más grandes y complejas. Los bloques grandes y sólidos a menudo con colores fuertes y contornos se mezclan y se unen para producir combinaciones imaginativas.

Esta idea parece romper con la realidad y en algunos aspectos subraya cómo los bloques simples se construyen y se convierten en ideas reconocibles más redondeadas. Las relaciones implicaron formar algo mucho más grande que los componentes individuales, ideal con la creciente influencia de la infografía. 

Diseño geométrico

¡Ahora te toca a ti!

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5 Importantes ilustradores minimalistas

Una imagen te puede contar mil historias, brindarte las herramientas para conocer a alguien; a través de los trazos que nos muestran, somos capaces de adivinar un mundo. Una imagen significa más de lo que creemos; es una mirada al interior de alguien, sobrepasa la superficie y nos permite por fin, conocer ese lado que tal vez alguien no está dispuesto a contarnos. Las imágenes son ideales para hablar cuando no encontramos las palabras.

Los ilustradores minimalistas son capaces de expresar conceptos, historias y sentimientos de la manera más sencilla pero a la vez más eficaz. A veces parece mentira que una sencilla línea negra pueda hacernos imaginar y sentir tanto.

Estos artistas son por mucho, capaces de ello, cada uno con su propio estilo, desde el más sensual hasta el más humorístico, pero sin duda son todos igual de curiosos y adictivos. 

Ilya Kazakov

Ilya Kazakov es el ilustrador ruso culpable de estas sencillas y adorables ilustraciones protagonizadas por sus pequeños personajes que logran conquistarnos, como en el caso de su serie “Week of sleeping cups”. Algunos de sus clientes han sido marcas como Samsung, McDonald’s, MasterCard, Leroy Merlín o L’Oreal.

Artista: Ilya Kazakov

Artista: Ilya Kazakov

Nimura Daisuke

La ilustradora y diseñadora Nimura Daisuke combina su técnica con un toque de dulzura y fortaleza en cada una de sus ilustraciones. Nimbar también realiza GIFs como parte de su trabajo digital. Sus personajes en blanco y negro, así como en tonos pastel hacen que sus imágenes sean perfectas para decorar el torso de alguien que sonríe a cada momento.

Artista: Nimura Daisuke

Artista: Nimura Daisuke

Christopher DeLorenzo

Christopher DeLorenzo es uno de los reyes del minimalismo. El ilustrador y diseñador  tiene a sus espaldas una gran trayectoria profesional que ha hecho de él un artista multidisciplinar dominando ilustración, branding, publicidad, packaging y mucho más. Entre sus clientes hay marcas como Google, Converse, Sony o GQ.

Artista: Christopher DeLorenzo

Artista: Christopher DeLorenzo

Henn Kim

Las ilustraciones de Henn Kim son las más pasionales de este recuento. Con trazos firmes en blanco y negro, nos muestra el mundo del amor listo para destruirnos. Con metáforas claras, Henn Kim nos muestra un mundo complicado en el que tanto hombres como mujeres sufrimos con la cotidianidad.

Artista: Henn Kim

Artista: Henn Kim

Ray Oranges

Ray Oranges es un ilustrador con sede en Florencia que desde el año 2009 ofrece distintas series de obras. Incorporando figuras geométricas y utilizando los colores justos logra darle a sus creaciones un estilo minimalista de gran impacto.

Artista: Ray Oranges

Artista: Ray Oranges

Como viste existen diversas alternativas para crear ilustraciones artísticas. ¿Qué te gustaría incorporar a tus piezas creativas? 

Si quieres estar a la vanguardia del Diseño, en IDAC del Valle te estamos esperando, somos un Instituto especializado con más de 14 años de experiencia que se mantiene en constante evolución pensando en ti ¡Vamos de la mano con los cambios digitales para tu beneficio!

Razones por las cuales estudiar una Licenciatura en Arquitectura o Diseño

¡Vivimos rodeados de arquitectura e imágenes! Esto es un hecho innegable; la casa en la que vivimos, las tiendas en las que compramos, los lugares que visitamos, todo es arquitectura. Y por otro lado, solo tienes que voltear a tu alrededor para toparte con imágenes que están presentes en todos lados, desde los empaques de los objetos que compramos hasta el contenido de nuestros dispositivos electrónicos.   

Además el internet y los servicios de streaming nos han traído infinidad de programas en donde podemos ver desde documentales sobre la obra y los procesos creativos de grandes diseñadores y arquitectos, programas en donde equipos interdisciplinarios diseñan y remodelan espacios que parecían catastróficos convirtiéndolos en lugares de ensueño hasta concursos de diseño, donde igual podemos encontrar algunos profesionistas y otros tantos amateurs. 

Si la arquitectura y el diseño gráfico te apasionan es probable que hayas intentado redecorar alguna habitación de tu casa o hecho algún diseño con alguna app para crear contenido gráfico para alguna red social, y tal vez hayas tenido mucho éxito entre la gente que lo vio. Entonces ¿Para qué estudiar una licenciatura, si hacer esto te resultó tan “fácil”?

Primero te mencionaremos que estudiar una licenciatura en general te brinda muchos beneficios entre los que podemos encontrar:

  • Que te certificará como profesional en tu área, lo que puede abrirte las puertas a oportunidades de crecimiento personal y profesional que de otra forma es muy difícil de lograr.
  • Te da la oportunidad de acceder a puestos directivos en grandes empresas.
  • Al tener una licenciatura puedes ser candidato a estudiar una maestría y poder especializarte.
  • Tendrás un mayor panorama cultural y de conocimientos, además de la oportunidad de crear redes de trabajo con más profesionales de tu área. 

Y si esto es ya una gran ventaja ahora te diremos las razones por las que es importante estudiar una licenciatura si lo que te gusta es la arquitectura y el diseño.

Aunque mucha gente suele pensar que las grandes obras de la arquitectura y el diseño son fruto de un talento innato, lo cierto es que aunque éste es importante se requiere una serie de conocimientos más profundos para realizar las propuestas de diseño y que éstas tengan una justificación sólida que las haga funcionar.

Por ejemplo: elegir un color para un interior o una imagen va más allá del gusto y tiene que ver con la psicología y la teoría del color, con el tipo de iluminación que tendrá el interior para el cual estamos haciendo la elección o, en el caso del diseño gráfico si la imagen será impresa o solo se verá en medios digitales. 

Proponer un estilo requiere que conozcas sobre semiótica, teoría e historia de la arquitectura y el diseño ya que esto te permitirá saber qué estás comunicando a través de tu proyecto y cómo puedes hacerlo de la mejor manera. 

La arquitectura y el diseño conllevan muchos procesos técnicos, como la pre-producción y producción o los fundamentos de construcción que deberás conocer para llegar al producto final.

Y por si fuera poco en la práctica profesional necesitarás saber cómo llegar a tus clientes y posicionarte en el mercado, además de cómo cobrar por tu trabajo, y para ello conocimientos sobre mercadotecnia, creación de empresas y manejo de costos y presupuestos se vuelven indispensables. 

Como puedes ver ser arquitecto o diseñador es una profesión que involucra más que la creatividad y que requiere un conocimiento basto sobre el diseño y alrededor de él, además de una gran capacidad de análisis y síntesis que adquirirás  al estudiar una licenciatura

Y hacerlo en un instituto especializado en arquitectura y diseño como lo es IDAC del Valle te asegura que nuestro modelo educativo Corbu, planes de estudio y docentes están específicamente enfocados para que logres ese objetivo.

Conoce nuestro plan de estudios y convéncete de que estudiar con nosotros, es la mejor opción.

Peter Saville

Peter Saville es el diseñador responsable de algunas de las portadas más icónicas del siglo XX. Fue uno de los fundadores de la mítica Factory Records, una de las disqueras que más han influido para llevar los mensajes de las subculturas al mainstream.

El primer diseño de Peter Saville para Factory fue un poster para un evento en “The Hacienda” que no pudo ser publicado a tiempo. Sin embargo, su estilo gráfico agradó a Tony Wilson quien lo mantuvo en la disquera como parte esencial del equipo, recomendándole el diseño del logotipo. El trabajo de Saville está influenciado por las vanguardias europeas de principios del siglo XX y la industrialización de las ciudades inglesas. A la vez que retoma elementos de la bauhaus o del suprematismo, el diseñador incorpora elementos industriales como el suaje y la producción en serie a sus diseños.

Peter Saville posee una tremenda capacidad para destilar la cultura contemporánea en un formato visual con sentido y siempre se acerca a través de su propia personalidad. Desde Factory Records fue responsable de la imagen de Joy Division o New Order. Bernard Sumner, guitarrista del grupo, cuenta en su autobiografía que le dio a Saville una ilustración del diagrama de las señales del primer sónar que encontró en una enciclopedia para que hiciera algo parecido. A partir de esa imagen se desarrolló la cubierta más afamada de Joy Division y el trabajo de Saville comenzó a cobrar una inesperada proyección e influencia con resultados artísticos considerables. Así lo demuestran las exposiciones que se organizan alrededor de sus diseños y de su obra gráfica en museos y galerías de arte. 

En la mítica portada de “Power, corruption and lies”, se retoma una obra de Henri Fantin-Latour para reencuadrarla y añadirle una prueba de color en la esquina superior derecha. La prueba de color estaba cifrada a partir de un código de color impreso en la contraportada. 

Cuenta la anécdota que cuando Factory solicitó permiso para fotografiar la obra, resguardada en la National Gallery de Londres, el director de la institución se rehusó afirmando que el cuadro pertenecía al pueblo de Gran Bretaña, a lo que Saville respondió: “Pues ahora el pueblo lo reclama”.

Su carrera no se termina con las covers para grupos de música; también ha trabajado en logos tan reconocibles como el de Calvin Klein. 

Nunca se ha dejado de pensar que los diseñadores gráficos son artistas tan valiosos e innovadores como los mejores creadores plásticos. Saville, junto a Neville Brody, representa lo mejor de esa especie de genios autodidactas que han convertido en belleza tangible su fértil imaginación gráfica.

En IDAC del Valle, queremos que tú descubras tu estilo y lo explotes en la industria que más te gusta, ¡El mundo necesita tu creatividad! Descubre cómo impulsarla estudiando tu Licenciatura en Diseño Gráfico, Web y Contenidos Digitales.

SEÑALÉTICA DE INTERIORES

La señalética estudia y desarrolla un sistema de comunicación visual sintetizado en un conjunto de señales o símbolos. 

Diferenciamos la señalética de la señalización tradicional porque la señalética ayuda a crear la imagen del espacio y refuerza una imagen pública. Debe ser eficaz, funcional, fácilmente comprensible y estéticamente adecuada, adaptándose y diseñándose a cada caso concreto. La señalética nos ayuda a identificar, orientar, regular y facilitar el acceso a los servicios requeridos en un entorno definido. Esta actividad está estrechamente ligada a la semiología (estudio de los signos) y al diseño gráfico.

Se puede clasificar de varias formas, aquí te decimos algunas de las distinciones más representativas para interiores:

–  Según su uso interior: directorios generales, directorios y números de pisos, rótulos, dependencias y áreas, rótulos de recintos, seguridad, prevención de riesgos o baños.

– Según su objetivo o función: de orientación, información, dirección, identificación, regulación, preventiva, restrictiva, prohibitiva u ornamental.

– Según su sistema de colocación, o ubicación: adosadas, autotransportantes, de banda, de bandera, colgantes, estelas de identidad, tijeras, rótulos de caja, pantallas de terminal de datos, exhibidores reflectores de luz, de cristal líquido, etc.

Elementos que hay que tener en cuenta al crear una señalética:

Ha de ser funcional mediante la tipografía, los pictogramas, el código cromático y las aplicaciones donde irá expuesta. 

Es importante que la señalética de un recorrido interior responda a las siguientes características:

  • Los elementos que conforman la señalética deben dar una buena información, ya sea en solitario o en su conjunto.
  • Las señales se deben identificar con los entornos, respondiendo a los mismos intereses de información y contenidos.
  • Deben cumplir con las normas que regulan el proyecto.
  • Deben contener un lenguaje universal y entendible.
  • Deben estar ubicadas de tal forma que sean visibles al público.
  • Deben dirigir el flujo del público de una forma ordenada y segura.

Para conseguir una señalización efectiva y correcta es necesario tomar en cuenta la colocación de la señal. Puede que el aspecto más importante en esta cuestión sea la altura de ubicación, teniendo que situar el elemento en el ángulo de visión, y recordando que se hace más estrecho según se reduce la distancia entre el público y la señal.

En base a eso podemos diferenciar tres tipos de distancia:

  1. Distancia corta: letreros pequeños que se contemplan a 10 metros o menos, por lo que su colocación será a una altura de entre 1’5 y 2’5 metros del suelo.
  1. Distancia media: si la distancia entre el público y la señal es de entre 10 y 15 metros, el elemento no debe ser menor de 1x1metros.
  1. Distancia larga: cuando la distancia es de más de 15 metros la señal se sitúa normalmente a una altura superior a 3/4 metros y son elementos de gran tamaño.

En IDAC del Valle podrás conocer mucha más información acerca de cómo construir señaléticas útiles durante tu Licenciatura en Diseño Gráfico en la que no solo conocerás los aspectos técnicos sino también los creativos que lograrán que tus creaciones sean memorables.

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7 Pasos efectivos para crear una página web

Si vas a diseñar tu sitio web y estás dudando sobre cómo hacerlo, nosotros te ayudamos. En el siguiente artículo, te vamos a contar todos los pasos necesarios para crear tu página web, desde el tipo de plataforma a emplear hasta consejos de estilo para escribir tus artículos, pasando por recomendaciones para contratar tu hosting y dominio, recursos gratuitos para imágenes, plugins, SEO, etc.

1. ¿Qué es una página web? 

Una página web es un sitio que normalmente suele tener un enfoque más corporativo, institucional o comercial. En una web solemos poner secciones estáticas con nuestros servicios, ofertas, tarifas, galerías, productos, datos de contacto, etc. Los contenidos de la web, por norma general, se actualizan con menor frecuencia y los usuarios no los suelen compartir en redes sociales a menos que incluyan algún contenido de valor.

2. Qué plataforma utilizar

Hay diversas opciones para crear y diseñar tu web. La elección de una u otra va a depender de tu presupuesto, proyecto que vayas a realizar y nivel de conocimientos.

– Gestores de contenidos más importantes:

WordPress.org

Para los que quieren dar el salto a una página web realmente profesional. Requieren nos conocimientos un poco mayores que la versión .com, y la compra de un hosting y dominio propios. Puedes instalar plantillas avanzadas y plugins, crear tiendas online, etc.

Magento

Dentro de los sistemas de gestión de contenido, tenemos algunos especializados en la creación de e-commerce. Magento es una de las opciones más famosas por su flexibilidad y funcionalidad, así como por la posibilidad de instalar plantillas avanzadas.

Existen muchas más, algunas de las más famosas son: Blogger, Joomla, HubSpot y Moodle.

¿Cuál es el gestor de contenidos más recomendable?

Recapitulando todo lo dicho anteriormente, nosotros te recomendamos que uses WordPress, la plataforma que usan más personas y empresas para gestionar sus sitios web y blogs, basada en la filosofía del código abierto (open source).

Con un Gestor de Contenidos como WordPress vas a poder crear una web y lo vas a poder hacer relativamente rápido, sin necesidad de ser un experto en diseño y desarrollo web y además con un resultado mucho mejor que empleando otras opciones.

La gran ventaja de WordPress es que posee un panel de administración bastante sencillo y se ha convertido en un estándar para crear páginas web y blogs. 

Por último, si eres muy experto, puedes crear un sitio web sin ninguna plataforma previa, es decir, directamente con código HTML, CSS, PHP, Jquery, etc. y empleando un software de edición de código. Las principales herramientas para edición manual de código que recomendamos son:

Para hacer una web con código necesitas ser un verdadero especialista y tener bastante experiencia previa. El principal inconveniente si eliges esta opción, aparte de la dificultad, es que los tiempos de desarrollo se pueden alargar mucho. Para evitarlo, te recomendamos que utilices una plantilla ya prediseñada sobre la que puedas empezar a trabajar.

3. Contratar un servicio de hosting

Para acertar a la hora de contratar tu hosting debes tener en cuenta diversos aspectos como el precio, la velocidad, el servicio de soporte, espacio, sistema de copias de seguridad automáticas o backups, etc.

En cuanto a la velocidad. Un hosting rápido será muy positivo para el rendimiento de tu sitio web y esto beneficiará a tu posicionamiento SEO.

En cuanto al servicio de soporte, si vas a trabajar con WordPress supone una gran ventaja contar con un servicio de soporte técnico específico, el cual te va a ayudar a solucionar posibles problemas puntuales. Además, los servidores especializados en WordPress tienen todas las configuraciones necesarias para que puedas trabajar con la herramienta sin ningún problema.

Respecto al espacio de servidor, para trabajar con WordPress correctamente, te recomendamos que elijas un plan que incluya como mínimo un 1GB de espacio. Ten en cuenta que hay plantillas que instalan una gran cantidad de contenido demo. No es aconsejable estar al límite de espacio en tu servidor, ya que puede darte bastantes problemas al subir contenidos, instalar plantillas y plugins, etc.

En lo que respecta a los backups, ni que decir debe contar un servidor que tenga un buen sistema de copias de seguridad que te puede salvar en más de una ocasión y evitarte malos ratos.

4. Elegir un dominio

Antes de adquirir tu dominio debes hacer una reflexión previa y escoger la mejor opción, pues una vez comprado no podrás cambiarlo, a menos que adquieras otro, con el consiguiente gasto extra. También es posible que ya tengas comprado un nombre de dominio con un proveedor y quieras usarlo con el nuevo servicio de hosting que has contratado.

5. Elegir plantilla

Uno de los puntos clave a la hora de crear tu página web, es la correcta elección del tema. Una buena plantilla te va a permitir comenzar a diseñar sobre una base adecuada en cuanto a diseño y estructura, y también en lo que respecta al SEO. Una plantilla bien estructurada con los encabezados  correctamente codificados y que sea responsiva supone una gran ventaja de cara al posicionamiento en buscadores. 

6. Diseñar el contenido

Cuando trabajas con un gestor de contenidos ya tienes todo a tu favor, pues diseñar sobre una buena plantilla te va a ahorrar tener que ser un experto en código. Aun así, hay un aspecto que hasta hace relativamente poco no se tenía en cuenta, y es el de la maquetación de los contenidos dentro de las propias secciones.

Hace un tiempo, si no sabías HTML y CSS resultaba muy difícil dar un aspecto profesional y atractivo a tus secciones dentro de la página. Ahora, con la llegada de los plugins para maquetación web tienes a tu disposición herramientas muy avanzadas que te van a permitir realizar diseños espectaculares de manera sencilla y rápida.

7. Optimizar el posicionamiento SEO

Un elemento esencial cuando creas una página web es el posicionamiento en buscadores. Si vas a usar WordPress, en un apartado anterior hemos comentado las ventajas de contar con una plantilla premium para el SEO. Aparte de la buena elección del tema, tenemos disponibles plugins gratuitos muy completos que sirven para optimizar el SEO y que son bastante fáciles de configurar.

¿Qué es el Arte Urbano?

El Arte Urbano o street art,  es todo arte realizado en las calles o con referencia a este estilo. El arte urbano además de englobar el graffitti, también acapara otras formas de expresión artística callejera. 

Desde los años 70 street art es un término que hemos comenzado a conocer y utilizar, también llamado Post-Graffiti, término utilizados para englobar el trabajo artístico en las calles de un grupo de artistas que utilizan diferentes tipos de técnicas (murales, graffitis, plantillas, pegatinas, etc).

Hacer dibujos en las paredes no es una práctica que pertenece a nuestra civilización moderna. Nuestros antepasados de tiempos prehistóricos dejaron en las paredes de las cuevas donde se cobijaban algunos dibujos que muestran figuras antropomorfas en varias actividades de su día a día. En México, uno de los sitios donde se puede encontrar pinturas rupestres verdaderamente sorprendentes está en el estado de Baja California Sur, en la Sierra de San Francisco. Se estima que estas pinturas tengan mil 500 años de antigüedad.

Arte Urbano en México

En los años setentas surgieron núcleos importantes de arte urbano, en ciudades como Guadalajara o Aguascalientes finalmente, en la Ciudad de México se consolida esta práctica en los años ochenta gracias a los barrios marginales de la capital. 

Los artistas urbanos de México han hecho de su país, un museo de arte contemporáneo al aire libre dejando verdaderas obras de arte en cada rincón de su bello país.

Estos son algunos de los artistas del arte urbano más reconocidos en México:

Saner

Los personajes de Edgar Flores, Saner, son todo un misterio. A pesar de ir siempre con máscaras, a estos representantes de la cultura mexicana no les falta personalidad. Se ha convertido en uno de los artistas callejeros más famosos de México y en uno de nuestros favoritos por sus escenas llenas de color y fantasía. 

Paola Delfín

Después de estudiar diseño gráfico y pintura, encontró en las calles de su país el lienzo perfecto para crear. Pero no se quedó solo allí. Podemos disfrutar de sus pinturas y murales también en España, Alemania, Italia, Polonia, Reino Unido, China, Puerto Rico, Perú, Colombia… ¡Toda una embajadora del talento mexicano!

Siluetas de mujer, naturaleza y lo divino es lo que nos encontramos en las paredes que esta muralista interviene.

Neuzz

Empezó a hacer graffitis a los 16 años de forma autodidacta hasta que quiso evolucionar su técnica y empezó a estudiar Diseño Gráfico. Ahora puede decir que es diseñador, ilustrador y muralista.

Ilustraciones de trazo grueso y definido que plasman sus raíces a través del color y la fantasía. Miguel Mejía, Neuzz, mezcla su estilo con la gráfica prehispánica que admiró desde pequeño. También tiene como influencia a otro mexicano, Jorge Alderete.

El arte urbano se ha convertido en un referente para la publicidad y la moda. Su carácter transgresor vende y llama la atención. Las características que emanan de este movimiento y su innovación estética, son utilizadas a través de la pregnancia con fines lucrativos en otros ámbitos. Su inclusión en estos campos se lleva a cabo a través de dos vías: comunicativa y productiva.

En México ha sido una actividad que, aunque al principio generaba una amplia condenación de la población, poco a poco ha logrado establecerse como un movimiento cultural que es capaz de producir extraordinarias obras de arte comparables al muralismo cultivado por artistas como Diego Rivera o Clemente Orozco. Las redes sociales han servido como un medio de publicación eficaz de las obras de grafiteros; especialmente, Instagram es una de las plataformas predilectas para dar a conocer sus obras.